17 мая в рамках «Фотобиеннале 2018» в Мультимедиа Арт Музее, Москва открываются выставки: «Модернизм в японской фотографии» Иваты Накаямы, «Встречи с дикой природой» Дэвида Ярроу, «Трансформация взгляда» Миммо Йодиче, а также «Старинная японская фотография и гравюра»

Ивата Накаяма «Модернизм в японской фотографии»

Куратор: Ольга Свиблова

Коллекция Фонда Иваты Накаямы. При содействии МЕМ

Ивата Накаяма

Фото: Ивата Накаяма. «Футуристическая пантомима». 1927. Серебряно-желатиновая печать. Коллекция Фонда Иваты Накаямы. Представлено Художественным музеем префектуры Хёго

«Обладая изощренной техникой и тонким чувством формы, он заставлял фотобумагу лучиться невиданным великолепием», — пишет куратор Художественного музея Сёто Юри Мицуда.

Ивата Накаяма родился 3 августа 1895 года в Янагаве (префектура Фукуока). С самого детства он интересовался европейским искусством и даже хотел стать художником. В 1915 году Накаяма поступил на Временное отделение фотографии Токийского художественного училища, открытое незадолго до этого. В мае 1923 года оно было переименовано в Отделение фотографии, а через три года закрыто. За одиннадцать лет существования Отделение фотографии окончило 47 человек; среди девяти первых его выпускников был Ивата Накаяма.

Окончив художественное училище, Накаяма отправился в США на стажировку от Министерства сельского хозяйства и торговли Японии. Некоторое время он изучал историю искусства в Университете Калифорнии, а затем переехал в Нью-Йорк и через некоторое время открыл собственную фотостудию на Пятой авеню. Первые годы фотограф искал клиентов, лично обходя большие загородные дома. Чтобы привлечь покупателей, он даже выпускал специальные купоны. В «американский период» Накаяма занимался в основном коммерческой студийной фотографией, только после переезда во Францию он решил полностью посвятить себя художественной фотографии.

Ивата Накаяма

Фото: Ивата Накаяма. «Композиция». 1933 (печать 1996). Серебряно-желатиновая печать. Коллекция Фонда Иваты Накаямы. Представлено Художественным музеем префектуры Хёго

В 1926 году он продал свое нью-йоркское фотоателье и переехал в Париж, который в период между двумя Мировыми войнами, был главным центром художественной жизни Европы. Именно в это время в столице Франции состоялись первая персональная выставка Альберто Джакометти, «Вторая выставка сюрреалистов», а также вышла в свет «Естественная история» Макса Эрнста.

Наиболее значимой работой Иваты Накаямы этого периода стала серия фотографий, посвященная творчеству итальянского художника-футуриста Энрико Прамполини. На снимках Накаямы изображены футуристические композиции из геометрических форм, демонстрирующие радикально авангардную стилистику работ Прамполини. Позднее Накаяма использовал эти фотографии для обложки японского журнала «Кога», а также включал их фрагменты во многие фотомонтажи.

В Париже Накаяма создал и свою первую фотограмму. Хотя к тому моменту эта техника уже получила развитие в работах Ман Рэя и Ласло Мохой-Надя, Накаяма пришел к ней независимо от них, путем собственных экспериментов.

В 1927 году Накаяма вернулся в Японию. Десятилетие, проведенное в США и Франции, оказало огромное влияние на мировоззрение фотографа и формирование его художественного стиля. Познакомившись с американским и европейским искусством, Накаяма решительно отказался ему подражать. Он хотел быть на равных с европейскими и американскими художниками, создавая нечто принципиально новое, не пытаясь имитировать западные образцы.

Ивата Накаяма

Фото: Ивата Накаяма. «Композиция (кружево и стакан»). Серебряно-желатиновая печать. 1930—1935. Коллекция Фонда Иваты Накаямы. Представлено Художественным музеем префектуры Хёго

В Японии начала ХХ века художественная фотография в значительной степени была уделом любителей. В основном публику интересовали предметы, изображенные на фотографии, а не фотография как способ художественного выражения. Накаяма же считал, что фотография может быть чистым искусством. Фотографию создает не камера, уточнял он, а художник, использующий эту камеру.

«Долгое время я считал фотографию и живопись одним видом искусства, поскольку обе работают с плоскостью. Однако, сколько бы я ни совершенствовал свое мастерство, мне бесконечно далеко до Рафаэля… Так что вместо этого я стал вникать в красоту и обаяние фотографии и исследовать возможности ее материалов и инструментов… В результате мне удалось создать художественные фотографии, которые вселяют в меня чувство некоторого удовлетворения», рассказывал Накаяма.

В 1930-е годы Ивата Накаяма был одной из самых ярких звезд японской фотографии, несмотря на то, что в период нарастающего национализма, тот факт, что Накаяма использовал камеру для выражения своего внутреннего мира, вместо того, чтобы отображать объективную реальность, нередко вызывал в его адрес критику. Тем не менее Ивата Накаяма оставался верен своим принципам.

Созданный Иватой Накаямой «Фотоклуб Асии» гордился тем, что «превыше всего ценит индивидуальность» и «не создает подражательных работ». Критерием оценки работы, считал Накаяма, должна быть не ее принадлежность к тому или иному стилю, а то, что она «чужда подражательству и верна концепции данного художника».

Дэвид Ярроу «Встречи с дикой природой»

В поддержку «Юна»

Фото: David Yarrow. «Lion King». 2014. ©David Yarrow Photography. Предоставлено пресс-службой МАММ

Дэвид Ярроу родился в Глазго в 1966 году, с детства увлекался фотографией, а в 20 лет стал спортивным фотокорреспондентом легендарной лондонской «Таймс». Одна из первых работ молодого фотографа — снимок нападающего аргентинской сборной Диего Марадоны, созданный во время Чемпионата мира по футболу 1986 года в Мехико принес ему звание

«Фотограф года». На протяжении многих лет подлинной страстью Дэвида Ярроу остаются съемки дикой природы. Он путешествует по самым отдаленным и труднодоступным районам планеты, создавая удивительные черно-белые фотографии животных, оказавшихся на грани исчезновения в результате бездумной деятельности человека.

Над проектом «Встречи с дикой природой» Дэвид Ярроу работал пять лет. Чтобы добиться максимального эффекта присутствия, Ярроу фотографировал животных с опасно близкого расстояния. Каждый кадр требовал тщательной подготовки. Иногда фотографу приходилось по многу часов «сидеть в засаде» в ожидании удачного момента, иногда во время съемки животные уничтожали его оборудование.

«Когда я снимал белого медведя на Аляске, я должен был подойти к нему так близко, как никто раньше не подходил… Я так сильно дрожал, что, казалось, никогда не сделаю нужный кадр», — вспоминает фотограф.

Дэвид Ярроу

David Yarrow. «Hello». 2015. © David Yarrow Photography. Предоставлено пресс-службой МАММ

В 2016 году нью-йоркское издательство Rizzoli выпустило книгу Дэвида Ярроу «Встречи с дикой природой», предисловие к которой написал принц Уильям. Книга была удостоена награды «Art Book 2017», а свой гонорар Ярроу передал в благотворительный фонд Tusk Trust, который занимается сохранением исчезающих видов африканских животных.

«Юна» – первый в России центр реабилитации временно бездомных животных. Центр оказывает полный комплекс услуг по подготовке животных для проживания в домашних условиях. Комфортные содержание и комплексная работа специалистов, в том числе зоопсихологов, позволяет ускорить процесс адаптации животного и сократить время между поступлением в Центр и обретением дома. Центр станет многофункциональной площадкой для совместной работы профильных некоммерческих организаций, пространством для обмена опытом и исследовательской работы, а также местом проведения тематических мероприятий для привлечения внимания общества к проблемам бездомных животных.

Миммо Йодиче «Трансформации взгляда»

Куратор: Ольга Свиблова

Выставка организована при участии Итальянского института культуры в Москве. При поддержке Volvo

Миммо Йодиче

Фото: Миммо Йодиче.» Опера 2″. Из серии «Ожидание». 2012. © Миммо Йодиче. Предоставлено пресс-службой МАММ

Миммо Йодиче — знаковая фигура в истории мировой фотографии. Его работы отличаются невероятной эмоциональностью и энергетикой, органично сочетая современные идеи с классической стилистикой. На выставке в МАММ будут показаны три серии фотографа: «Attesa» («Ожидание»), «Эдем» и «Transiti» («Переход»).

В серии «Attesa» Миммо Йодиче рассуждает об относительности категорий времени и пространства. Рукотворные объекты, вырванные из привычного контекста, по воле фотографа замерли то ли в прошлом, то ли в будущем. Лаконичные черно-белые снимки приглашают зрителя в новое измерение, находящееся за пределами временных и пространственных координат — измерение ожидания.

Серия «Эдем» — это рассказ об искушении, страстях и тайнах человеческого сознания. «Эти снимки — как датчики… Они позволяют непредвзято взглянуть на очевидно неодушевленные и безобидные вещи, которые, тем не менее, имеют над нами непонятную и удивительную власть. Запечатлев неожиданные композиции, которые я встречал на улицах и в витринах магазинов, я создал натюрморт, ставший метафорой и предвестием конца свободного, эмпирического ощущения истинной природы вещей», — пишет Миммо Йодиче.

Серия «Transiti» — своеобразный диалог, в который вступают персонажи картин великих мастеров, сфотографированные Йодиче в неаполитанском музее Каподимонте и современные неаполитанцы, портреты которых фотограф делал на улицах города. Изображения собраны в небольшие группы, от диптихов к полиптихам.

Объединяя фотографии, Миммо Йодиче обращал внимание на общие жесты, черты лица, мимику — подчеркивая, как мало изменился человек за последние пять веков.

Миммо Йодиче родился в Неаполе в 1934 году и живет в этом городе до сих пор. Он начал фотографировать в шестидесятые годы. Будучи самоучкой, Йодиче много экспериментировал, исследуя различные материалы и способы обработки фотографий. В 1970 году его пригласили в качестве преподавателя в неаполитанскую Академию изящных искусств — первое в Италии высшее учебное заведение, где начали обучать фотографическому искусству. Йодиче проработал там до 1994 года.

Миммо Йодиче

Фото: Миммо Йодиче. «Опера 27». Из серии «Ожидание». 2000. © Миммо Йодиче. Предоставлено пресс-службой МАММ

На протяжении своей карьеры Миммо Йодиче находился в тесном взаимодействии с легендарными современными художниками, работавшими в Неаполе — Энди Уорхолом, Йозефом Бойсом, Джино де Доминчисом, Джулио Паолини, Джозефом Кошутом, Солом Левиттом, Яннисом Кунеллисом, Германом Нитчем и др.

Первая фотовыставка Йодиче прошла в 1968 году в замке герцогов Урбинских, а в 1970 году в миланской «Диафрамме» была организована выставка под названием «Спрятанное в папках», концепцию которой придумал знаменитый итальянский сценарист и кинорежиссер Чезаре Дзаваттини.

В 1980 году Йодиче опубликовал фотоальбом «Виды Неаполя», в котором прослеживается изменение художественного языка фотографа — отстранение от реальности и погружение в атмосферу метафизических воспоминаний.

В 1981 году в Сан-Франциско, вместе с Дианой Арбус, Ларри Кларком, Уильямом Кляйном и Лизеттой Модел Миммо Йодиче принял участие в выставке «Выражение человеческой природы».

В 1985 году он начал масштабное исследование мифологии Средиземноморья. Итогом этой работы становится книга «Средиземноморье», опубликованная в 1995 году нью-йоркским издательством «Эпече Фаундэйшн» и переведенная на множество языков.

В 2009 году в римском Выставочном дворце и в Европейском доме фотографии прошли масштабные выставки-антологии Миммо Йодиче. В 2011 году в Музее Лувра состоялась персональная выставка под названием «Глаза Лувра», а в 2012 году Йодиче презентовал в монреальском Музее МакКорд свой проект «Божественный город». В 2016 году в знак признания заслуг фотографа неаполитанский Музей современного искусства организовал самую полную и масштабную выставку-ретроспективу его работ «1960—2016: ожидание».

В 2003 году Национальная академия деи Линчеи наградила Миммо Йодиче престижной премией Фельтринелли. Он стал первым фотографом, обладателем этой премии. В 2006 году Неаполитанский университет имени Фридриха II присвоил ему степень Почетного доктора архитектуры, а в 2011 году министр культуры Франции наградил Миммо Йодиче Орденом Искусств и литературы.

«Старинная японская фотография и гравюра»

Кураторы: Игорь Волков, Анна Пушакова

Японская фотография и гравюра

Фото: Неизвестный автор. «Театрализованная сцена сэппуку». Япония, 1880-е. Альбуминовый отпечаток, раскраска. Из собрания МАММ. Предоставлено пресс-службой МАММ

За более чем 20 лет своего существования МАММ собрал значительную коллекцию японской раскрашенной фотографии эпохи Мейдзи (1868—1912). Раскрашенная фотография — это особое явление, которое стоит на пересечении нескольких традиций: европейской фотографии и японских традиционных видов искусства. Полную и разнообразную картину позволяют увидеть большой комплекс фотографий (более ста) и вступающая с ним в диалог подборка из около 50 гравюр прославленных мастеров (Китагава Утамаро, Кацусика Хокусай, Утагава Хиросигэ и др.), а также элементы предметного мира — ширма и кимоно — из коллекции Государственного Музея Востока.

После длительного периода самоизоляции эпоха Мейдзи стала переломным периодом в японской истории и определила последующее стремительное развитие страны. Тесные контакты и обмен достижениями культуры и науки активизировались в середине XIX века, в эпоху позитивизма и промышленного переворота, богатую на важные политические события и научные открытия. С приходом новой эпохи фотография была одобрена и пропагандировалась на самом высоком уровне: в начале 1870-х годов создаются первые фотографии императора-реформатора Муцухито и его супруги, что становится своеобразной «отменой» существовавшего долгое время запрета на изображение императора. Вводится в обиход европейская одежда. Русские путешественники сравнивали процессы, происходившие в это время на островах с петровскими реформами в России.

Фотография — плод технической революции и идеологии реализма и рационализма пришла в Японию с Запада еще в 1840-е годы, но ранние опыты в светописи 1850-х годов, предпринятые приезжими и местными энтузиастами, были эпизодическими и непоследовательными.

Расцвет искусства фотографии в Японии пришелся на последнюю четверть XIX века. Его определили такие западные мастера, как англичанин итальянского происхождения Феликс Беато (1832—1909), австриец барон Раймунд фон Штилльфрид-Ратениц (1839—1911) и итальянец Адольфо Фарсари (1841—1898).

Старинная японская фотография и гравюра

Фото: Неизвестный автор. «Продавец тофу». 1880-1890-е. Альбуминовый отпечаток, раскраска. Из собрания МАММ. Предоставлено пресс-службой МАММ

Фотографы наследовали фотоателье вместе с накопленным материалом, так что зачастую очень трудно отделить работы одного автора от другого, а японские ученики и последователи, такие как Кусакабэ Кимбэй (1841—1934), Тамамуро Кодзабуро (1856—1923?) и Огава Кадзумаса (1860—1929), активно продолжали начинания европейских учителей. Несмотря на то, что фотографии снимались как европейскими, так и местными мастерами, они образуют единое явление, принадлежащее одновременно и японской, и западной культуре — как, например, иностранные мастера, работавшие в России с петровского времени могут считаться частью истории и русского, и европейского искусства.

В работах 1880-х—1890-х годов можно увидеть, прежде всего, следование фотографическим схемам композиции и жанрам XIX века: виды, типы, постановочные сценки и портреты. Подобного рода фотографии можно сравнить с интересом к экзотике в культуре рококо первой половины XVIII века — интересом к необычному, но преломленному сквозь призму видения представителя европейской цивилизации. По подсчетам исследователей за вторую половину XIX века было создано более 200 000 снимков Японии, складывающихся в своего рода энциклопедию образов. Фотографии часто объединялись в альбомы и служили сувенирами, навевавшими воспоминания о совершенной поездке, или удовлетворявшими интерес к далекой загадочной стране.

Старинная японская фотография и гравюра

Фото: Неизвестный автор. «Японские танцовщицы». 1880-1890-е. Альбуминовый отпечаток, раскраска. Из собрания МАММ. Предоставлено пресс-службой МАММ

В то же время и европейские мастера, и наследовавшие им японские фотографы не могли не считаться с местной традицией — японская визуальная культура явно или неявно проступала на снимках. Сюжеты, мотивы, реалии, традиционные символы — все это очевидно напоминает другие виды искусства, в особенности цветную гравюру на дереве (ксилографию) укиё-э, которая также переживала расцвет в XIX веке. Название жанра переводится с японского как «картины преходящего мира». Искусство гравюры конца периода Эдо и периода Мейдзи поразительно созвучно фотографии — оба искусства тиражные, в них, так или иначе, присутствует цвет, они рассчитаны на широкую публику (в это время японскую гравюру начинают коллекционировать и за пределами Японии). Вдохновение для сюжетов авторы искали в многообразии городской жизни, пытаясь запечатлеть ускользающую действительность, и превращая ее в эфемерное изображение на хрупкой бумажной основе. Фотографии, представленные на выставке, сделаны в технике альбуминовой печати, которая неумолимо угасает от соприкосновения с солнечным светом.

На выставке «Старинная японская фотография и гравюра» соседствуют снятые на улицах постановочные кадры со статистами и мизансцены, полностью сконструированные в безвоздушном пространстве фотоателье, где повседневность превращается в экзотический ритуал, а собирательные и типические образы гейш и самураев изображают переодетые актеры. Но при всей неестественности во многих композициях невольно проскальзывает неподвластное художнику дыхание жизни: смазанные фигуры-призраки на улицах, непосредственные проявления эмоций у второстепенных персонажей и «некрасивые» с точки зрения профессиональной европейской фотографии моменты, например, процесс вкушения пищи, где герои застыли с открытым ртом. Во многих сюжетах подспудно присутствует глубинный символизм, а также особая пластика реалий: садов, архитектуры, интерьеров, костюмов, аксессуаров и предметов обихода.

Источник: пресс-релиз


Открытие выставок состоится:
17 мая 2018 года в 19-00
в Мультимедиа Арт Музее, Москва
по адресу: Москва, Остоженка, 16

Send this to a friend